Polimá Westcoast es una de las figuras más reconocibles de la escena urbana chilena. Su trayectoria se ha desarrollado junto con la expansión de un movimiento que pasó de los circuitos locales a ocupar un lugar visible en la conversación musical latinoamericana. En esta entrevista editorial, el artista reflexiona sobre la evolución del género, el trabajo colaborativo, la responsabilidad frente a las nuevas audiencias y los desafíos de proyectar una identidad chilena fuera del país.
La conversación se presenta como una síntesis en formato de preguntas y respuestas sobre asuntos que han marcado su recorrido público. Las respuestas están redactadas de manera editorial y no corresponden a una transcripción literal.
Una escena que encontró su propia voz
¿Cómo describirías el momento que vive la música urbana chilena?
La escena atraviesa un periodo de gran visibilidad y diversidad. En ella conviven el reguetón, el trap, el rap, el hiphop y otras formas de música urbana que dialogan con las experiencias de distintas ciudades y comunidades del país. Ese crecimiento no se explica únicamente por la atención internacional: también es consecuencia del trabajo sostenido de artistas, productores, compositores, técnicos y equipos independientes que construyeron espacios para crear y compartir música.
Para Polimá Westcoast, uno de los rasgos más importantes de este proceso es que los artistas chilenos ya no necesitan ocultar sus códigos locales para ser escuchados. El lenguaje, los acentos y las referencias propias pueden formar parte de una propuesta abierta al mundo sin perder su origen.
¿Qué ha cambiado desde los primeros años de expansión del movimiento urbano?
Ha cambiado la percepción del género y también la manera de trabajar. La música urbana dejó de ser considerada una expresión marginal para convertirse en un componente central de la cultura popular contemporánea. Ese reconocimiento trae oportunidades, pero también exige mayor cuidado en la creación, en la puesta en escena y en la relación con el público.
El desafío consiste en no confundir visibilidad con permanencia. Una escena sólida necesita formación, colaboración, espacios para presentarse y una memoria que reconozca a quienes abrieron camino. La renovación permanente es valiosa, pero también lo es comprender de dónde provienen los sonidos y las comunidades que los sostienen.
Colaborar sin perder la identidad
Las colaboraciones ocupan un lugar importante en tu trayectoria. ¿Qué buscas cuando trabajas con otro artista?
Una colaboración puede ampliar una canción, pero no debería reducirse a sumar nombres. Lo más interesante ocurre cuando cada participante conserva su personalidad y, al mismo tiempo, aparece algo que no habría surgido trabajando por separado. La diferencia de voces, experiencias y formas de escribir puede abrir nuevas posibilidades para la canción.
El reconocimiento alcanzado por Ultra Solo, canción realizada junto a Pailita, mostró la capacidad de una propuesta nacida en la escena chilena para conectar con oyentes de distintos países. Más allá de sus cifras de escucha, el fenómeno evidenció que una canción urbana puede conservar rasgos locales y participar en una conversación musical internacional.
¿Existe una tensión entre crear para el propio entorno y pensar en una audiencia internacional?
La tensión aparece cuando la mirada exterior comienza a dirigir la creación. Una canción puede viajar precisamente porque expresa con claridad una experiencia concreta. La identidad no es una fórmula fija ni una colección de símbolos; se transforma con las personas, los barrios, las migraciones, las conversaciones y los sonidos que forman parte de la vida cotidiana.
La proyección internacional tiene más sentido cuando se construye desde la autenticidad. Antes de pensar en representar a un país, un artista necesita saber qué quiere decir y desde qué lugar habla. Esa claridad permite que la música sea comprensible en otros contextos sin convertirla en una versión simplificada de Chile.
El trabajo detrás de una canción
¿Qué lugar ocupa la creación musical en tu día a día?
Crear implica observar y escuchar antes de entrar al estudio. Las ideas pueden aparecer en una conversación, en una melodía, en un ritmo o en una experiencia difícil de explicar. Después comienza un proceso de selección: no todo lo que surge en una sesión tiene que convertirse en canción, y parte del trabajo consiste en reconocer qué merece desarrollarse.
La escritura urbana suele apoyarse en la precisión de las palabras y en la fuerza de la interpretación. El ritmo, la voz y la producción cumplen funciones inseparables. Una frase puede cambiar de sentido según la cadencia, el silencio o la energía con que se interpreta. Por eso, terminar una canción requiere tanto intuición como revisión.
¿Qué significa evolucionar sin dejar atrás lo que te identifica?
Evolucionar no significa borrar lo anterior. La identidad artística se construye acumulando experiencias, aprendizajes y decisiones. Hay elementos que permanecen porque forman parte de una manera de sentir y de comunicar; otros cambian porque el artista también cambia.
La experimentación resulta necesaria, especialmente en una escena que se mueve con rapidez. Probar nuevas sonoridades no garantiza que todas funcionen, pero permite evitar la repetición. La búsqueda puede incluir errores, pausas y cambios de dirección, siempre que exista una intención detrás.
Responsabilidad frente a nuevas audiencias
La música urbana tiene una llegada muy amplia entre adolescentes y jóvenes. ¿Qué responsabilidad implica esa cercanía?
La responsabilidad comienza por entender que las canciones no existen aisladas. Las personas las incorporan a sus recuerdos, a sus amistades y a momentos importantes de su vida. Un artista no controla todas las interpretaciones, pero sí puede cuidar lo que comunica y reconocer el alcance de sus palabras.
Eso no significa convertir cada canción en una lección ni eliminar el conflicto de la creación. Significa evitar la indiferencia frente a los efectos de ciertos mensajes, especialmente cuando reproducen violencia, discriminación o desprecio hacia otras personas. La libertad artística y la reflexión pueden coexistir.
¿Cómo se puede mantener una relación sana con el público?
Con respeto y límites claros. La cercanía que permiten las redes sociales puede ser valiosa, pero no reemplaza la vida privada ni convierte al artista en una figura disponible en todo momento. También es importante recordar que detrás de cada audiencia hay personas distintas, con historias y sensibilidades diversas.
El público, por su parte, no es una masa uniforme. Está formado por comunidades que interpretan, comentan y resignifican las canciones. Escuchar esas reacciones puede enriquecer el trabajo, siempre que no se pierda la capacidad de tomar decisiones propias.
Chile como punto de partida
¿Qué elementos de Chile aparecen en tu manera de hacer música?
Chile aparece en el lenguaje, en los ritmos de conversación, en las formas de relacionarse y en las experiencias que atraviesan a quienes viven en el país. No se trata solamente de mencionar lugares o utilizar modismos, sino de expresar una sensibilidad que nace de un contexto específico.
La escena urbana también refleja la diversidad del Chile actual. Las identidades de sus artistas no responden a una sola imagen del país. Hay distintas procedencias, influencias y maneras de entender la ciudad. Esa variedad es una de sus mayores fortalezas.
¿Qué tendría que ocurrir para que la escena chilena siga creciendo?
El crecimiento debería ser colectivo. Junto con el reconocimiento de los artistas más visibles, es necesario prestar atención a quienes producen, escriben, mezclan, organizan encuentros y mantienen activos los espacios culturales. Una escena no se sostiene únicamente con éxitos individuales.
- Fortalecer la formación musical y técnica.
- Reconocer la diversidad de estilos y trayectorias.
- Crear espacios de encuentro para artistas de distintas generaciones.
- Promover condiciones respetuosas para el trabajo cultural.
- Conservar la memoria de los movimientos que hicieron posible el presente.
Mirar hacia adelante
¿Cómo imaginas el futuro de la música urbana chilena?
El futuro será más diverso y menos fácil de clasificar. Las fronteras entre géneros seguirán cambiando, y los artistas podrán combinar influencias locales con sonidos provenientes de distintos lugares. Esa apertura no elimina la identidad; puede hacerla más compleja.
La internacionalización también traerá preguntas sobre representación, pertenencia y responsabilidad. La música chilena podrá circular por nuevos territorios, pero necesitará conservar la capacidad de hablarle a su comunidad de origen. Proyectarse hacia afuera no debería significar dejar de mirar lo que ocurre dentro.
¿Qué esperas que permanezca en tu obra?
La honestidad del proceso. Las tendencias cambian y las herramientas se transforman, pero una obra conserva su fuerza cuando existe una experiencia real detrás de ella. La aspiración es seguir creciendo sin perder la conexión con la música, con el público y con las preguntas que dieron origen a cada canción.
En un momento de expansión para la escena urbana chilena, la trayectoria de Polimá Westcoast permite observar una transformación más amplia: el paso de una expresión construida en los márgenes a una cultura musical capaz de dialogar con audiencias internacionales. El desafío, ahora, es que ese crecimiento mantenga abiertas las puertas para nuevas voces y conserve la diversidad que hizo posible el movimiento.